5 Mejores occidentales revisionistas Todos deben ver al menos una vez

En los primeros días de Hollywood, los westerns dominaron la taquilla. Los tiroteos y las persecuciones de caballos fueron emocionantes de ver y fáciles de entender sin diálogo durante la period de la película muda. El público se sintió atraído por historias de valientes vaqueros y villanos de bigote porque, en momentos como la Gran Depresión cuando la esperanza period difícil de encontrar, podían escapar a las historias edificantes de un héroe que ganaba el día. Luego, después de la Segunda Guerra Mundial, en la década de 1950, Estados Unidos surgió como una poderosa fuerza a tener en cuenta. Habíamos conquistado la frontera y ayudamos a derrotar a los nazis. Como tal, los westerns se volvieron más populares que nunca porque reflejaban nuestra identidad nacional, que se construyó sobre una clara narrativa de bien versus malvada.

Sin embargo, el género occidental tomó un camino diferente cuando los estadounidenses ya no sentían ese oleaje de orgullo en su país. Si bien hay algunas excepciones, en los años sesenta de los años sesenta y setenta se volvieron experimentales y reinventó sus tropos. Durante este período de tiempo, los Estados Unidos montaron a Vietnam como si fueran vaqueros duros enviados para disputar la ilegalidad del comunismo, todo mientras los ciudadanos en casa estaban indignados y dirigieron protestas masivas. Un nuevo subgénero de westerns revisionistas capturó este caos y disidencia al alterar completamente todo lo que se había establecido sobre el género durante décadas. La violencia inherente de la vida fronteriza fue cuestionada y vista como traumática, no digna de celebración. Del mismo modo, los nativos americanos que habían sido demonizados previamente y las mujeres que fueron ignoradas o reducidas a las damiselas en apuros a menudo se convirtieron en el enfoque de la historia. En verdad, por supuesto, los westerns revisionistas son tan expansivos como un paisaje desértico, por lo que esta lista solo incluirá algunos de los más esenciales.

Tony Soprano una vez elogió a Gary Cooper como “el tipo fuerte y silencioso”. Ciertamente encarnó esto en los muchos westerns en los que protagonizó, entre ellos “el Virginiano”, “The Westerner” y “The Plainsman”. Pero el “mediodía” es considerado por los críticos como su mayor logro. La película tiene todas las características de un Oater clásico, ya que se centra en una pandilla de forajidos que llega a aterrorizar una ciudad y al sheriff respetuoso de la ley que debe detenerlos en un tiroteo. Excepto que Marshal Will Kane (Cooper) no está seguro de que quiera enfrentarlos.

“Excessive Midday” se desarrolla en tiempo actual, haciendo que la tensión sea tan aguda como un cuchillo Bowie mientras esperamos para ver si el personaje conflictivo de Cooper se quedará y peleará o huirá con su esposa. La película es más un drama psicológico de combustión lenta que su típico actor de carga de armas con armas. Y aunque “Excessive Midday” se lanzó en 1952, mucho antes del movimiento revisionista de películas occidentales de los años sesenta y setenta, contiene muchos de los mismos elementos que subvierten las tradiciones del género.

“Excessive Midday” no presenta una ciudad fronteriza acogedora que se unirá y defenderá lo que es correcto. Innumerables personas de la ciudad ignoran las súplicas de ayuda de Kane, incluso aquellos que están destinados a ser líderes como el juez native, un pastor y el alcalde. En cambio, huyen, mienten u se esconden, permitiendo que ocurra la injusticia por su propio sentido de autoconservación. La película del director Fred Zinnemann muestra un Estados Unidos de América que no está unido en el mínimo y está lleno de ciudadanos que se traicionarán fácilmente. “Excessive Midday” no glamoriza el inminente enfrentamiento como algo emocionante, en su lugar languideciendo en la ansiedad y el aislamiento de Kane, así como su fuerte deseo de tirar todo. El estado de ánimo de la película es exactamente por qué John Wayne lo odió e hizo “Rio Bravo” con el director Howard Hawks como respuesta.

Un director tan idiosincrásico como Robert Altman inevitablemente le daría al clásico occidental un toque sombrío y poco convencional. De hecho, casi todos los aspectos de su película de 1971 “McCabe & Mrs. Miller” dobla deliberadamente lo que sabemos y amamos del género de armas. Los personajes principales son aquellos que normalmente pasarías por alto en una pequeña ciudad fronteriza: un jugador ambicioso pero ambicioso y un trabajador sexual astuto que abre un burdel, con la esperanza de transformar su enclave de minería lúgubre en una empresa próspera antes de que los señores corporativos se inclinen para reclamarlo por sí mismos.

La cámara errante de Altman, con sus frecuentes sartenes y tiros de zoom, no captura panoramas de desiertos áridos, sino más bien una aldea inquietante y desolada en el noroeste de los Estados Unidos. La cinematografía es plana, y, francamente, fea, inundada de marrones y grises, como si el barro hubiera sido manchado por la lente de la cámara. “McCabe & Mrs. Miller” no está tan estructurado linealmente como la mayoría de los occidentales, siendo mantenidos unidos por hilos de trama sueltos que se mueven a un ritmo de pesado. La película también presenta música anacrónica en forma de canciones de Leonard Cohen suaves y somnolentes que se suman a la atmósfera de melancolía normal.

Como director, Altman te envuelve por completo en el sombrío escenario de la película y las luchas de sus personajes, que son débiles y defectuosos en lugar de héroes triunfantes. Como Bryan Younger observó una vez para /película, este entonces nuevo estilo de Western incluso influiría en una película como mundialmente separada como “SOLO: A Star Wars Story”, especialmente su tono trágico y su narrativa de mosaico.

Aparte de John Wayne, ninguna otra estrella de cine moderna ha sido tan sinónimo de Westerns como Clint Eastwood. El hombre se hizo un nombre como, irónicamente, el hombre sin nombre en los famosos westerns de espagueti de Sergio Leone, que ellos mismos comenzaron la ola de westerns revisionistas. Las películas de Leone tenían protagonistas moralmente dudosos y una representación sucia de una frontera extremely violenta donde los héroes no siempre prevalecen. Pero después de hacer más de una docena de westerns, tanto tradicionales como revisionistas, fue Eastwood quien, al dirigir y protagonizar “Unforgiven”, pudo entregar lo que ahora se reconoce como uno de los anti-occidentales más definitivos.

Eastwood interpreta a William Munny, un forajido canoso que se retira a una granja de cerdos para criar a su familia. Está atormentado por la carnicería de su pasado, después de haber matado “casi todo lo que camina o se arrastra en un momento u otro”, incluso mujeres y niños. Sea como fuere, Munny debe dejar de lado estos fantasmas para enfrentarse a un sheriff sádico, el pequeño proyecto de ley de Gene Hackman, que disfruta de la opresión de sus ciudadanos más vulnerables. Cuando una de las trabajadoras sexuales en una pequeña ciudad es desfigurada por su cliente enojado, Little Invoice incluso disfruta de detener activamente a los vigilantes que quieren ir tras él.

“Unforgiven” es una acusación de brutalidad policial, ya que el pequeño proyecto de ley impulsa su poder de lastimar a quien quiera y elija y elija quién merece sufrir o ser defendido. Munny, sin embargo, no es un héroe valiente que monta para salvar el día; Tiene su propio derramamiento de sangre que tener en cuenta, pero la audiencia aún lo raíz por él. Munny está tratando de vivir una vida tranquila en un lugar tan volátil donde la ley y el orden no están claros, y es exactamente esa tensión que hace que “Unforgiven” sea ampliamente considerado como la mejor película de Eastwood.

El “corte de Meek” no es un reloj particularmente fácil. La directora Kelly Reichardt hace todo lo que está en su poder para sumergir a los espectadores en la dura vida de los colonos que se dirigen a través del desierto de Oregon en el siglo XIX. Reichardt usa iluminación naturalista; Por lo tanto, en escenas donde los hombres y las mujeres se reúnen alrededor del fuego crepitante debajo de un cielo crepuscular, están iluminados solo por las llamas, lo que dificulta disturbios de sus caras o mucho de cualquier cosa. También puede ser difícil escuchar a los actores de la película cuando hablan en un susurro. No hay iluminación mágica de Hollywood o brillo synthetic de los conjuntos de estudio de Westerns Previous.

En “Meek’s Corteing”, los hombres a cargo se convierten en lo que se suponía que period un viaje de dos semanas a un peligroso fiasco de cinco semanas a medida que se pierden y comienzan a quedarse bajos en alimentos y agua. Las esposas son mucho más capaces de navegar por la tierra, pero están sujetos a las tontas decisiones de sus esposos y obligadas a merodear en el fondo mientras los hombres debaten su próximo movimiento. A pesar de estas apuestas de vida y muerte, la película se mueve muy lentamente, por lo que es un roble mucho más pensativo de lo que estamos acostumbrados a mirar.

“El límite de Meek” lucha contra cualquier romantización del destino manifiesto, exponiendo la concept de que los hombres blancos que se establecieron en Occidente no eran necesariamente héroes malos e ingeniosos. Reichardt incorporó aún más relatos escritos de la vida actual de mujeres que estaban en el sendero de Oregon en su guión, dando voz a aquellos que generalmente son ignorados en narraciones de la conquista occidental. Mientras tanto, Michelle Williams ofrece una de sus mejores actuaciones en la película como Emily Teterow, un personaje que, como Kira Deshle escribió anteriormente para /Movie, “inicialmente aparece como una mujer dócil y sin pretensiones, pero cuando las cosas comienzan a ir al sur, revela una fuerza interna y determinación de que nadie en el grupo puede coincidir”.

Los “asesinos de la luna de la flor” de Martin Scorsese exponen algunos de los crímenes más insidiosos que los hombres blancos han cometido contra los nativos americanos. Aquí, somos testigos de la avaricia genocidio y capitalista que realmente definió al Viejo Oeste, no divertido disparar a las aventuras y aventuras en el desierto. Cuando la comunidad de Osage de la vida actual descubrió una abundancia de petróleo en sus tierras, se convirtieron en algunas de las personas más ricas del mundo. Esto los convirtió en los objetivos del malévolo William Hale, quien es interpretado en la película de Scorsese por Robert de Niro.

Hale se presenta como un pilar de la comunidad, financiando estudios de baile locales y hospitales de apoyo para evitar sospechar a la sangre sangrienta que ha puesto en marcha, uno que involucra a los colonos de Oklahoman varones blancos que se casan con las mujeres de Osage mientras planea asesinarlas en secreto para asesinarlas o sus familiares para inherir a sus científicos, junto con los derechos de los petróleo que pueden aprobarse después de su muerte. Leonardo DiCaprio también interpreta a Ernest Burkhart, el sobrino de Hale y un hombre comisionado con un ceño perpetuo que se queda con los planes malvados de su tío. En otros lugares, como la esposa de Ernest, Mollie, Lily Gladstone proyecta una fuerza tranquila y compostura, incluso cuando su propio esposo la envenena lentamente.

“Killers of the Flower Moon” es uno de los occidentales revisionistas más abrasadores de los tiempos modernos porque no contiene nada sobre el verdadero tratamiento de los Estados Unidos de los pueblos indígenas. En la forma típica de Scorsese, no estamos protegidos de los sombríos asesinatos del Osage, que incluyen explosiones que destrozan sus casas, se deja caer solo en un río e incluso recibimos un disparo en el patio delantero mientras empujan un cochecito de bebé. Scorsese también descentre la narrativa de salvador blanco del libro unique, donde el FBI se toca galantemente para investigar. En cambio, “Killers of the Flower Moon” se centra legítimamente en la compleja relación de Mollie con su esposo y la pura maldad de aquellos que creían que tenían derecho a las tierras del Osage.